フォトグラファーのトシ・オオタと画家の及川キーダは、2002年より、コラボレート作品シリーズ ”LE PITTORESQUE AU JAPON”を制作、発表してきました。それぞれの分野で活躍する二人のアーティストは、互いの才能を発揮しながら、タイトルが示す「絵のように美しい日本（”LE PITTORESQUE AU JAPON”）」の世界を、写真とドローイングの融合によって表現しています。

　それらの作品は、桜、朝顔、菊、竹、波、茶、着物、舞踏. . . といった日本文化を象徴する伝統的なモチーフを題材にしながらも、起用するモデルやスタイリング、重ね合わせるドローイングなどで現代的な要素を織り交ぜることにより、きわめて斬新な「日本の美」の概念を提示します。コンピューターによって構成されたグラフィックは、従来のインクジェット紙だけではなく、メッシュ素材や和紙、版画紙、フィルムといった質感を重視した素材にも描画され、表現としての新しい方向性を目指した独特な世界観を創り上げていきます。

 　今回の展覧会で二人が選んだ会場は、江戸時代末期に建てられた土蔵を再生したアートスペース「ギャラリー・エフ」。日本の伝統的な建築技術によって生まれた重厚な空間に、華やかな”LE PITTORESQUE AU JAPON”の世界が広がります。

　ISSEY MIYAKE MENのテキスタイル・デザイナーとして活躍する菊池学は、常に新しい素材を追求してきました。そのプロセスのなかで、彼はまったく新しいテキスタイルの表現を可能にした「錆染（さびぞめ）」を独自開発しました。これは、金属の錆による染色技法です。
　 菊池学はこれまで、錆染によるさまざまな表現を実現してきました。初めての発表は2000年。空間演出家である毛利臣男氏からの依頼を受け、同氏が主宰する空間展『モーリの色彩空間Part 4　“SABI”』（スパイラルガーデン／東京・青山）に９m×15mの巨大な錆染によるテキスタイル作品「世紀をしきるさび色の布」を出品しました。以来、年１回のペースで錆染作品による展覧会を開催。2005年にはアートディレクターの浅葉克己氏がデザインした「トンパ文字」を錆染によって作品化、個展「[lab]（実験空間展）」（AKI-EX／東京）を開催しました。

　６月16日から始まる展覧会『錆着尺』において、菊池学は錆染の新しい展開をみせます。彼が今回の展覧会のために選んだテーマは「雅体」と「着物」です。絹朱子や紬といった素材に、古代中国の宮廷文字「雅体」を錆染し、着物を作るための布地である「着尺」として仕上げました。
　 「着尺というアイテムをあえて選んだ。それは、日本が世界に誇る直線の服。平面ゆえ絵画を表現するにもっともふさわしかったから。自然現象である錆を受け入れた雅体はより躍動感あふれるラインを飾る」（菊池学）

　大気によって生じる金属の酸化皮膜が人間には予想できない柄を描き出す錆染。自然の力に最終的な絵柄の決定を委ねる錆染が、古代中国の美学の極みをかたちにした雅体に新たな命を与え、着物という日本の伝統が育んだ美の世界に広がります。
　 会場は江戸時代末期に建立された土蔵を活用したアートスペース「ギャラリー・エフ」。140年近い時間が培った重厚な空間に、錆着尺を縫製した着物５点を展示します。

菊池学（きくち・まなぶ）プロフィール

東京美術通信にレビューを掲載していただいています
日本繊維新聞編集部ブログにレビューを掲載していただいています

情報掲載誌
和楽／装苑／Japan Times／毎日新聞／Pen／ash／ソトコト／日経新聞／朝日新聞マリオン／日本繊維新聞／染織α

錆染（さびぞめ）
菊池学が独自に開発した染色の技法（特許公開2002-069861）。金属の粉をシルクスクリーンにより転写し、酸化とともに布地に定着させていく。酸化という自然の力によって金属が発色し、布地を着色していく自然現象とそれにより生まれる表現は、常に作り手が想像できない意外性と美しさをもたらす。

雅体（みやびたい）

2000年以上前、秦の始皇帝が国家統一を行う前に中国の王朝に存在していた宮廷文字。それぞれの王朝の美学の極みが投入されたその造形は、機能より美しさを重視し、緻密さと優雅さに富んでいる。始皇帝によって滅ぼされたものの、近年、石盤や青銅器に彫られた文字が発見され始め、現在、文字研究家である王超鷹氏によって文字の復元と現代デザインへの応用の作業が進められている。

雅体について　字坊

　写真家、レオナルド・ペレガッタの新作『地図にない道〜Indefinite Path〜』は、ファッション・ブランド”ROUROU”（ロウロウ）との出会いによって生まれました。ROUROUは今秋からアーティストたちとのコラボレーション・プロジェクトを立ち上げることを企画。その第一弾として、日本在住のイタリア人写真家、レオナルド・ペレガッタの参加と写真集の出版が決まりました。

　幻想的なタッチでヨーロッパや日本の心象風景を撮影してきたペレガッタは、このコラボレーションを新しい作品づくりの機会としてとらえています。

「ROUROUとの出会い、そしてコラボレーションは、極めて感覚的なもの。互いの感性を自由に交わしながら創作することができた。ROUROUの世界観を意識的に映像化するのではなく、もっと精神的なコラボレーションを試みた」

『地図にない道〜Indefinite Path〜』のテーマは「旅」。ペレガッタは、現在の日本を旅し、実際に存在する風景を撮影してきました。しかし、その写真に描かれた場所や時間は、「地図にない道」というタイトルが示唆するように、きわめてあいまいなものです。現実の瞬間をとらえているはずの写真には、移りゆく風景や記憶が浮かび上がります。

「これらの写真が描き出す旅は、不確かで、無意識なもの。時間の感覚も目的地も定かではない。でも、幻想的に思えるこれらの写真は僕にとってはとてもリアルなものだ。不確実に変化していく風景こそが、人の心を表していると思うから」

「どこにあるかは分からない、けれど必ずある未知のアジアの国」をテーマに独創的な服づくりを続けるROUROU。ペレガッタは誰も見たことのないその国を漂う旅人であるかのような視点で写真集『地図にない道〜Indefinite Path〜』を完成させました。
目に見えるものと見えないものの境い目をほぐし、またつないでいるやわらかな光景。
蓮色の空が開く旅の始まりです。

　秦世和が制作する器はすべて、金属の「錫」を材料としています。

　大学時代に陶芸を専攻していた秦世和は、卒業後、進むべき道を模索しながら、さまざまな伝統工芸の制作現場を体験しました。そのなかで、とりわけ強く惹かれたのが「錫」という素材でした。
　伝統技術を継承する職人のもとで確かな技術を学びながらも、彼はあくまで錫を用いて自らの世界観を表現することにこだわってきました。その独創性の表れが「破錫」（やぶれすず）という表現です。繊細でいて、柔らかい錫の表面に、退廃的とも言える「割れ」や「ヒビ」を施す彼独自の技法によって、器は強烈な存在感を帯びます。
　秦世和は自らのことを工芸家と呼ぶことに違和感を覚えます。　なぜなら彼は、錫による器をそのものだけで捉えずに、器が存在する「空間」を強く意識しているからです。錫という素材を用いて非常に精緻な器を制作しながらも、一方で、同時に、その器が織りなす空間も創造しようとしているのです。
「私は日本人の美学である『もののあはれ』を表現しています。日本の伝統や美学、言葉などを踏まえ、古の流れを受け継ぎながら、自己の造形、空間を模索し、追求していきたい」
　今回の展覧会で秦世和は、江戸時代末建立の土蔵をアートスペースとして活用する「ギャラリー・エフ」を会場として選びました。江戸の職人たちが材料と技能を惜しみなく使い建てた建築物の中で、自らの美学を投入した錫の花器などによって静寂な空間『虚空』を構成します。